Galerie d'art du Parc

Mes projets naissent de phénomènes naturels simples, observables quotidiennement, dans notre environnement immédiat. Ma pratique artistique se nourrit de l'attention soutenue que je porte aux interactions entre l'eau, la lumière, les ombres, l'air, les mouvements et les sons qui m'entourent. Or, je m'intéresse à la cohabitation, dans une même oeuvre d'éléments à la fois naturels et urbains, qui transporte l'esprit vers une réalité nouvelle. Par mes projets vidéos, sonores, et installatifs, je fais en sorte que viennent à la présence des phénomènes naturels qui sont de l'ordre de l'immatériel. J'utilise donc des matériaux qui se rapportent aux constructions humaines et à l'environnement urbain pour réinterpréter des éléments naturels, etc.

Après m’être consacrée à travailler dans le domaine de l’estampe, j’ai entrepris au cours des trois dernières années une série de recherches et d’explorations m’amenant à me distancier d’un savoir-faire et de méthodes soigneusement acquises. Cette liberté nouvelle m’a conduite à convertir l’atelier en espace d’expérimentation et de découverte dans lequel mon corpus s’est construit à partir de nouveaux gestes et de nouveaux matériaux.

La mémoire enregistre les évènements à sa façon, les oublie, les modifie selon ses caprices et les déforme en pure fabulation. Cette faculté envoie les souvenirs dans des rubriques nommées témoin, impression, trace, repère, cicatrice, réminiscence, engramme. Elle leur superpose des humeurs, des sons et des odeurs. Elle les cache sous différents points de vue, sous divers angles de perception. Elle est vive, sélective, affective, associative.

L’exposition présentée porte sur la nature dans ses aspects les plus diverses autant de l’inquiétant que de l’enchanteur. Des fonds marins à la voûte céleste, dans son environnement immédiat comme en des contrées éloignées, l’artiste cherche les images qui la fascinent et qui la portent à la rêverie. Sa peinture est gestuelle, intuitive et puissamment évocatrice.

Louise Prescott vit et travaille à Montréal. Chercheure, auteure et artiste visuelle professionnelle depuis 1985, elle est docteur en études et pratiques des arts et membre de l’Académie Royale des arts du Canada. Ses œuvres ont été présentées au Canada, en Europe et aux États-Unis et plusieurs font partie de collections publiques et privées d’ici et d’ailleurs.

Art numérique, gravure, monotype, des photographie, video

Le point de départ de l’exposition est une série de monotypes où les lettres H, h, x, Xe et les éléments nuages, escaliers, taches, raies et points de suspension dialoguent dans la composition en guise d’onomatopées. Ils énoncent le sens du dramatique, du silence forcé, celui qui supporte le dialogue interne, la tension qui précède l’explosion des émotions.

Avec les écrivains/poètes

Paul Dallaire, François Désaulniers, Sébastien Dulude, Monique Juteau, Guy Marchamps, Rita Painchaud et Christiane Simoneau

Ce projet a été initié par la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois- Rivières lors du colloque Imaginarium de 2013. Après le succès remporté, Ferme ta boîte s’étend cette année à l’international, pour en faire un projet d’œuvres imprimées évolutif, collectif et ludique utilisant différentes techniques d’estampe. À ce jour, plus de 300 artistes participent. Ils proviennent de la France, de la Belgique, du Brésil, de la Colombie, de Cuba, de la Serbie, de l’Italie, du Maroc, des États-Unis et du Canada, de toutes les régions du Québec, y compris la Mauricie. L’exposition à la Galerie d’art du Parc s’inscrit dans le cadre du colloque Melancholia 2015, réalisée en étroite collaboration avec le département de la philosophie et des arts de l’Université du Québec de Trois- Rivières. La partie du projet au Québec est encandrée par Jo Ann Lanneville, artiste et présidente de la BIECTR et en Belgique par Kikie Crêvecoeur, artiste et professeur de gravure à l’Académie Boitsfort, Bruxelles.

La démarche de l’artiste s’inscrit dans le temps du faire, d’un regard critique sur ce qui arrive autour de nous: la pollution, les phénomènes météorologiques, l’espèce humaine qui semble menacée. Elle évoque la nature et son influence sur l’humanité, la transformation, l’éphémère, la fragilité, elle questionne le matériau qui l’amène en dehors du cadre. Certaines œuvres sont des bas-reliefs créés par la manipulation du papier. D’autres occupent l’espace avec des volumes en papier au sol.

Diane T. Tremblay vit et travaille à Montréal. Elle enseigne les arts visuels depuis 1992, tout en poursuivant en parallèle sa pratique artistique. Elle a à son actif de nombreuses expositions solos et collectives. Ses oeuvres font parties de collections publiques et privées.

Suzie Allen, Geneviève Baril, Alejandra Basanes, Aline Beaudoin, Karine Beaulieu, Louise Boisvert, Isabel Boucher, Jérémie Deschamps Bussières, Denis Charland, Audrey Charron, Louise Courchesne, Marie-Jeanne Decoste, Lise Drolet, Isabelle Dumais, Frédérique Guichard, Émilie Guilbault, Valérie Guimond, Louise Hallé, Guy Langevin, Jo Ann Lanneville, Catherine Lapointe, Patricia Bouffard-Lavoie, Fontaine Leriche, Élisabeth Mathieu, Louise-Hélène Mathon, Valérie Morrissette, Benoît Perreault, Nicole Schlosser et Winji ont joué le jeu en créant des œuvres toutes en nuances de gris, de noir, de blanc et de rouge.

Fondé en 1979, l’Atelier Presse Papier est un centre d’artistes dédié à l’estampe contemporaine. Il offre aux artistes professionnels, un lieu, et des moyens facilitant la recherche, la création, la production et la diffusion de l’estampe sous ses différentes formes.

Les sculptures présentées sont l’expression d’une rencontre entre l’inanimé et la vie, qui se décline dans une série d’ambivalences : Inertie /mouvement, aspect abouti/expérimental, sacré/banal. En faisant cohabiter ces idées contraires, l’artiste cherche à annuler la frontière entre ce qu’il y a de matériel et d’immatériel et interroge les limites de l’art : jusqu’où la matière peut-elle exprimer l’immatériel? De quelle manière l’expression sensible peut-elle rejoindre la rigueur conceptuelle? Son travail relève d’un esthétisme à la fois abouti et expérimental, d’une idée primitive et contemporaine, apportant une réponse plastique face aux enjeux contradictoires de l’art.

Vivant et travaillant à Québec, Bernard-Alexandre Beullac a plusieurs expositions à son actif et ses œuvres se retrouvent dans des collections publiques et privées.

Artiste multidisciplinaire Julianna Joos marie l’estampe, la création numérique, création textile, tissage jacquard dans ses installations à la galerie. Elle explore, joue avec le positif et le négatif de l’œuvre présentée. En tournant doucement sur elles-mêmes, les chauves-souris tissées suspendues dans l’espace, présentent tour à tour leur côté positif et leur envers, comme le bien ou le mal.

Julianna Joos vit et travaille à Montréal où elle a fait un baccalauréat en art à l’Université Concordia, une maîtrise ès art à l’université du Québec à Montréal, et des stages en tissage jacquard. Au cours de ses 30 années de pratique artistique, elle a diffusé ses œuvres au Québec et à l’étranger. Bourses, prix, mentions ponctuent sa carrière et ses œuvres font partie de collections publiques et privées.

Dans son travail, José Luis Torres cherche à stimuler le rapport qui est établi entre le lieu d’accueil, l’œuvre et l’individu qui interagit. Sa pratique, qui concerne surtout la sculpture, est essentiellement motivée par des détournements de sens et des gestes simples posés sur des objets et des matériaux modestes issus de nos environnements familiers. Argentin d’origine, l’artiste vit, réside et travaille au Québec. Il a fait ses études en art et en architecture à l’école Supérieure des Beaux-Arts et à l’Université Nationale d’Architecture à Cordoba, Argentine. Il a présenté ses œuvres principalement au Canada, en Argentine et en Europe. Il participe depuis de nombreuses années à des symposiums, des événements en art. Ses œuvres font partie de collections d’ici et d’ailleurs.

Depuis quelque temps, la création artistique de Sean Rudman tourne autour de deux volets d’une même exploration. L’incarnation du visuel par "l’immédiateté de l’expérience" et "le souvenir de l’émotion dans la tranquillité". Les œuvres réalisées devant le sujet reflètent le désir de se faire happer par le "réel" dans toute la force et la richesse de sa présence.

Galerie / Portraits d’artistes / Nudes --- Pour l’artiste "la photographie est un art mère comme la science pure et la poésie. Elle a donné naissance au cinéma et à la télévision. Les photographies sont des peintres de la lumière et des travailleurs du temps. En cumulant ses fractions de secondes au cours de sa vie, un photographe ne préserve que quelques minutes de son existence. Elle est pourtant là, comme dans un code génétique, un concentré d’émotions et d’histoire, autant de clés de mémoire."

D’une boîte à l’autre, c’est un dialogue imprévu, ouvert sur l’imaginaire. Des mondes jaillissent de ces frontières de bois et offrent leurs histoires, subversives, touchantes, drôles. Les boîtes de Monique Sarfati sont porteuses de sens et de mémoire. Cela relève de l’archéologie ethnographique.

Née au Maroc, Monique Sarfati vit et travaille à Montréal après avoir vécue en Afrique et en Europe. Spécialiste en études latino-américaines, elle se consacre totalement à l’expression artistique depuis 2006.

Voici quelques pistes pour entrer dans les œuvres de Monique Sarfati. Pistes à compléter par chacun, chacune qui regarde et écoute ce que leur dit l’œuvre regardée…

Il est important de rappeler que la mort pour les latinos est un sujet abordé quotidiennement, qui fait partie intégrante de la vie.

Fasciné par le dessin, la bande dessinée et le dessin animé, sa formation en art à l’UQTR l’a conduit à s’intéresser plus particulièrement à la gravure.

L’exposition GRATTE PELLICULE de Benoît Perreault présente ses plus récentes expérimentations en gravure sur bois. L’artiste met à jour une pratique plus éclatée du médium, met en valeur l’étude du support, ses possibilités formelles et graphiques et met en lumière le raffinement du trait, le mode de présentation et le rapport entre la matrice et l’œuvre imprimée.

Du 30 septembre au 9 décembre 2012

Exposition canadienne avec volet international

GREFFÉ/Griffé

Exposition des finissantes en arts de l’UQTR

Les finissantes du baccalauréat en arts visuels du département de Philosophie et des Arts de l’Université du Québec à Trois-Rivières présentent l’exposition « Fil de femmes hybrides».

CARRÉMENT INUTILE / ABSOLUMENT ESSENTIEL

40 ans de passion et de création

Ils sont 14 artistes professionnels aguerris à ouvrir les célébrations du 40e anniversaire de la Galerie d’art du Parc. Ces artistes ont joué le jeu en s’inspirant de la thématique «Carrément inutile / Absolument essentiel» et en utilisant l’élément «40». Les résultats obtenus témoignent de leur passion de créer, du temps et de ses pièges, du passage, du parcours, des paradoxes, de la symphonie et des jeux de la vie. L’incroyable diversité des formes proposées, l’ampleur des champs explorés et des sujets traités, l’ingéniosité des propositions abordées avec poésie, humour et ironie surprennent, questionnent et nourrissent les visiteurs de la tête aux pieds.

Au cœur de la cellule, les gènes détiennent le code de la création d’un être vivant. Pour chaque gène destiné à fabriquer une des pièces du puzzle, correspond une multitude d’allèles qui confèrent à chacun ses caractères distincts tels que la couleur et la forme.

En travaillant de concert avec son souffle de vie, c’est dans l’échographie de la vie sous toutes ses formes et ses contrastes que nous convie Isabelle Clermont par son installation.

Baccalauréat en arts plastiques à l’Université du Québec à Trois-Rivières en 2006, maîtrise en arts visuels avec mémoire à l’Université Laval en 2009, Isabelle Clermont a déjà un parcours artistique bien rempli. Expositions solos et collectives, performances et événements, créations et participations à des livres d’artistes, oeuvres dans des collections, bourses et mentions figurent dans son bagage artistique.

Acrylique et dessin

Activité philanthropique de sensibilisation

LA BNSC ET LA GAP PRÉSENTENT

GREFFONS

DU 18 SEPTEMBRE AU 27 NOVEMBRE 2011

PLUS DE 200 ARTISTES, ARTISANS, ORGANISMES ET ENTREPRISES ONT ACCEPTÉ AVEC ENTHOUSIASME ET MAGNANIMITÉ NOTRE INVITATION D’INTERVENIR EN GREFFANT DES OBJETS DE LEUR CRU SUR LE QUARTIER DE BÛCHE QUE NOUS LEUR AVONS PRÊTÉ. CETTE IMPRESSIONNANTE CRÉATION COLLECTIVE IMPLIQUANT LE MILIEU ARTISTIQUE ET LE MILIEU DES AFFAIRES SERA PRÉSENTÉE À LA GALERIE D’ART DU PARC DE TROIS-RIVIÈRES DU 18 SEPTEMBRE AU 27 NOVEMBRE 2011. LE "HAPPENING ARTISTIQUE" PROPOSÉ EST INTIMEMENT LIÉ AU DON, SOUS DIFFÉRENTES FORMES, ET JUMELÉ À UNE LEVÉE DE FONDS POUR SOUTENIR ET PERMETTRE LA TENUE D’ACTIVITÉS ARTISTIQUES.

L’EXPOSITION GREFFONS SE POURSUIT JUSQU’AU 11 DÉCEMBRE 2011

avec la participation du festival international de la poésie

Nathalie Daoust

CE PROJET A ÉTÉ RÉALISÉ À L’OCCASION D’UNE RÉSIDENCE DE SIX MOIS EN SUISSE FINANCÉ PAR UNE BOURSE DU CONSEIL DES ARTS ET DES LETTRES DU QUÉBEC, AVEC LE PATRONAGE DE LA FONDATION CHRISTOPH MERIAN.

LORS DE SON SÉJOUR, L’ARTISTE A ÉTÉ FRAPPÉE PAR LA PERMANENCE ET L’INTEMPORALITÉ DES ALPES, AINSI QUE PAR LEUR PERFECTION. ELLE A VOULU PHOTOGRAPHIER L’AMBIANCE DE TEMPS SUSPENDU POUR SAUVEGARDER LE SOUVENIR DE MOMENTS UNIQUES. ET C’EST NON SEULEMENT LA MÉMOIRE DU LIEU QU’ELLE A VOULU GARDER, MAIS ÉGALEMENT CELLE DE SON ÉTAT D’ESPRIT AU MOMENT DU DÉCLENCHEMENT : CELUI DE QUELQU’UN QUI SE SENT IMMOBILISÉ DANS LE TEMPS, MAIS QUI A ÉGALEMENT L’IMPRESSION DE SE TROUVER DANS UN MONDE IRRÉEL. CE SENTIMENT EST NÉ DU MALAISE RESSENTI FACE À DES PAYSAGES QUI LUI SEMBLAIENT TROP PARFAITS...

La 7e BIEC offre un record de diversité culturelle: 52 artistes provenant de 26 pays. Les quelque 300 œuvres exposées permettent de découvrir les recherches et les démarches d’estampiers du monde entier, des œuvres représentatives d’univers artistiques fascinants et distinctifs. Les œuvres sont réparties dans les quatre lieux d’exposition selon des thèmes, qui sont comme des clés pour accéder au cœur du travail de chaque artiste: histoire humaine, critique sociale, portrait et autoportrait, monde matériel et immatériel, territoire urbain, etc.

www.biectr.ca

peinture

Renée duRocher travaille sa peinture en séquence, souvent sous forme de polyptyque et par des compositions élaborées transitant entre les modes de la figuration et de l’abstraction. L’éclat de la couleur franche juxtaposé aux contrastes nuancés apportent une touche dynamique aux compositions structurées et narratives. Car bien que l’artiste explore incessamment des avenues inédites au plan formel, elle préserve cet aspect qui la caractérise, soit la faculté d’évoquer le récit. Un récit qui a grandement fait état du passé, qui désormais, fait état du présent et de l’avenir en laissant davantage place au langage de l’abstraction. Voilà une transition audacieuse que Renée duRocher explore avec justesse en laissant transparaître une fine concordance avec la nature de l’ensemble de son œuvre.

techniques mixtes et installation

Une thématique semblable, celles des blessures de l’enfance et une conception identique de l’art actuel ont amené Françoise Belu et Suzanne Blouin à collaborer dans ce projet. Arrêt sur l’image des autres… Ayant de la difficulté à travailler avec une photo d’elle-même, Françoise Belu a sollicité des photos d’enfants, fournies par des personnes de son entourage. Une vingtaine de boîtes noires sont nées avec une silhouette enfantine qui s’infiltre dans chacune d’elles. Pour sa part, Suzanne Blouin propose Arrêt sur la même image… L’image, grandeur nature, douze fois répétée, de la « petite Suzanne » d’un an et demi, a été abandonnée/photographiée à différents endroits. Différentes stratégies de survie ont été développées: l’isolement, la multiplication, le mariage, les déplacements…

en collaboration avec Carl Raymond

installation

Dominique Laquerre continue d’explorer les liens que nous tissons avec le territoire et les traces qui balisent la mémoire. Entre 1850 et 1930, plus d'un demi million de Canadiens français ont migré aux Etats-Unis en quête d’une vie meilleure. Ayant pour point de départ une anecdote et des documents bien réels, « La vie au fond d’une malle » est une méditation plus large sur l’expérience de la migration. Grâce à la collaboration du vidéaste Carl Raymond, l’exposition s’articule en divers tableaux comme autant de fictions et de réminiscences de l'anecdote de départ.

Sculpture

Sculpture

« Par delà les îles…une rencontre…un concept et quoi d’autre, sinon un archipel?»

La pratique artistique de Laurent Gagnon se fonde sur la rencontre d’objets «trouvés» comme source d’inspiration. Dans le projet présenté, les œuvres résultent d’une idée directrice qui a orienté la réalisation, jouxtée aux improvisations spontanées attisées par la manipulation et le «bricolage» de trouvailles simples.

Installation

avec la participation de monique Juteau

Techniques mixtes

Dans le cadre de l'exposition territoriale La mort... des expositions à vivre.

Trompe l'oeil au cube aux limites du vrai et du faux

TROMPE-L’OEILAU CUBE

AUX LIMITES DU VRAI ET DU FAUX

CETTE THÉMATIQUE EST UN QUESTIONNEMENT SUR LA SPATIALITÉ DES LIEUX DANS UNE PERSPECTIVE SENSUALISTE, MOUVANTE ET PLURIELLE. L’UN DES ASPECTS DU TROMPE-L’ŒIL EST DE CRÉER PAR DES STRATÉGIES TROMPEUSES UN SENTIMENT D’ESPACE. NOUS SOUHAITONS PAR CETTE PROBLÉMATIQUE, DÉTOURNER L’AMBITION RÉALISTE DU TROMPE-L’ŒIL QUI COMPORTE ICI UNE PART DE LEURRE, DE DOUTE, DE FICTION, DE FAUX PROPOSÉ DANS L’ESPACE PHYSIQUE ET MENTAL.

Installation

Artiste chevronnée du Centre-du-Québec, Winji a à son actif de nombreuses expositions auxquelles s’ajoutent bourses et prix. Sa création se nourrit de la vie, de tout ce qui la passionne, l’intrigue et la questionne. Sa démarche intuitive et imaginative est enracinée dans les domaines des sensations, du ludique, de la poésie et de la fiction. Toutes les étapes de sa création se trouvent sous l’égide du ludique. Celui-ci devient son matériau de prédilection, une poésie, un mode de communication, une référence, un repère. Winji met en scène sa prise de position et commente ironiquement son constat face à des situations ou à des événements incongrus. Elle dépeint une affliction face à notre monde toujours guidé par l’appât du gain au détriment de toutes autres considérations.

SPÉCIALISÉ EN PHILOSOPHIE, EN ART ET EN ÉTUDES QUÉBÉCOISES, CET ARTISTE, DU COMTÉ DE LOTBINIÈRE, A EU L’OCCASION DE PRÉSENTER SES OEUVRES À DIFFÉRENTS ENDROITS AU PAYS. PLUSIEURS DE SES CRÉATIONS FONT PARTIE DE L’ART PUBLIC ET SE RETROUVENT DANS DES COLLECTIONS PUBLIQUES. RÉCIPIENDAIRE À PLUSIEURS REPRISES, IL A ÉGALEMENT OBTENU DES BOURSES DU CONSEIL DES ARTS ET DES LETTRES DU QUÉBEC ET DU CONSEIL DES ARTS DU CANADA. COMME L’EXPRIME L’ARTISTE DANS SES CONSIDÉRATIONS GÉNÉRALES "QUAND LES GRANDS MYSTÈRES DU MONDE REFUSENT DE SE LAISSER PÉNÉTRER, PEUT-ÊTRE N’Y A-T-IL LÀ QU’UN SIMPLE MALENTENDU. ESSAYONS DONC UN PEU DE SUPPOSER QUE CES MYSTÈRES ET BIEN D’AUTRES SÉJOURNENT DANS DES MATÉRIAUX QU’IL NOUS SUFFIRA D’APPRÉHENDER. VU AINSI, C’EST ARMÉ D’OUTILS DE SCULPTURE QU’IL SERA POSSIBLE D’ENTRER DANS LES CHOSES POUR MIEUX SAISIR…"

Antarctica est un projet artistique s’articulant autour des préoccupations environnementales de trois artistes provenant de deux pays situés aux antipodes des Amériques. Les trois artistes présentent ici leur interprétation de la fragilité humaine et d’un territoire réputé inhumain; le Pôle Sud.

Antarctica est une initiative qui s’inscrit dans le cadre de l’Année internationale polaire 2007 2009.

L’URAV et ses invités Exposition collective

L’exposition rétrospective est une sélection d’images parmi les 45 000 négatifs réalisés depuis 1969. Les photos plus anciennes impliquent un tirage de négatifs argentiques qui sont numérisés, traités en monochrome et virés au sépia. Les images plus récentes, réalisées depuis 2006 à l’aide d’un appareil numérique, sont traitées en monochrome et virées au sépia ou au sélénium dans un logiciel de traitement de l’image. Le rendu final se rapproche de la photo ancienne en « noir et blanc » virée au sépia et au sélénium. Les thèmes privilégiés de l’artiste sont les vitrines, les réflexions, les écrans, les vidéogrammes, les portraits et les paysages.

Les brumes du Saint-Laurent, les sirènes de bateaux, la centrale nucléaire, les distractions et la famille sont sources d’inspiration. Le quotidien devient l’ancrage du processus de création de l’artiste. L’approche visuelle qu’il utilise est avant tout figurative. Il collectionne des surfaces usagées sur lesquelles il intervient en utilisant différentes techniques comme la peinture, la sérigraphie, l’estampe et autres. Ses tableaux sont le résultat d’associations, d’amalgames de scènes déjà existantes, qui conjugués ensemble donne vie à une autre mise en scène. Ces rencontres font naître une impression entre saleté et légèreté.

Techniques mixtes

L’univers des plantes me fascine depuis toujours et cet émerveillement ne cesse de grandir. Que ce soit une tête de chrysanthème en train de s’effriter, une feuille devenue dentelle ou encore de graciles herbacés, ces véritables petits trésors légués par la nature me sont apparus comme en attente d’un autre destin

Installation et techniques mixtes

« …la culture, la poésie et l’écologie sont en substance des alliés ayant une convergence et une finalité communes : la continuité de la vie sur terre. »
Robert Juarroz

Telle une architecte paysagiste, je conçois des parcours verdoyants pour flâneurs attentifs en quête de nouveaux sentiers qui les mèneront aux quatre coins d’un jardin intime, ludique et poétique. Dans mes œuvres, l’imaginaire rythme avec la nature dans un monde de formes et de textures. Combinée à la représentation des quatre éléments de la nature, l’utilisation du motif de feuille est un défi et devient un prétexte à développer un outil graphique unique et différent. Il se transforme selon les projets : en paysage, en chien, en bateau, en ballon-terre, etc. Autochtone de mon propre territoire visuel, la feuillagiste que je suis devenue glane au hasard de ses promenades des écofacts et construit son parcours créateur.

Bas-relief, support de bois, techniques mixtes

En associant les effets lyriques à une structure ordonnée,
au centre de laquelle s’intègre des objets de récupération,
l’artiste tente de susciter une ambivalence donnant naissance
à un bas-relief, d’où s’entremêlent l’abstraction et la figuration.

Lieux communs

Nelson Gagné, Suzanne Gagné, Mylène Gervais, Jacques Lottinville, Élyse Proulx

Selon l’astrophysicien Fritjof Capra, l’univers est un tissu dynamique d’événements interdépendants.* Ma démarche se veut donc une projection dans cet univers que je parcours pour en saisir les signaux, les plans de conscience, les mondes parallèles, et je donne à voir simultanément les architectures du cosmos et les architectures humaines. Cloisons, sphères, grilles, engrenages, vibrations et personnages sont présentés de façon semblable, en aplats ou en reliefs car ils proviennent de la même matière primitive.

C’est aussi mon questionnement sur la place de l’être humain dans le temps et dans l’espace. C’est ma réflexion sur son identité, son intériorité ; sur le rôle qu’il se donne dans le territoire qu’il occupe ; sur son dialogue, son interaction avec cette matière énergétique et universelle dont il est imprégné ; et finalement, sur sa continuité dans le cosmos, même dans sa rupture avec sa vie, au-delà de cette rupture, dans le tissu… L’être humain y est senti non pas comme un sujet mais comme un motif répété, une parcelle dans un concert de variations, d’atmosphères et de sites. Sans nom, sans identité ou les possédant toutes, il est d’une espèce porteuse de mémoire. Une mémoire ancestrale, une mémoire universelle et collective qui, provenant d’une dimension non visible, se matérialise et se déploie dans le tableau pour s’y livrer au regard.

Ma série “Jeunes Artistes” (Young Artists) remonte au début de ma carrière. L’artiste est dépeint dans le cours de ses activités mondaines qui composent la pratique d’art dans le studio. Leur activité est délibérément dénudée de drame ou de “l’héroïsme” qui fait partie de la pratique traditionnelle des artistes représentant leur studio. J’utilise le format diptyque pour poser, entre d’autres, la pertinence des questions entre l’abstraction et la figuration qui ont propulsé la lutte quotidienne des jeunes artistes durant une grande partie du 20e siècle. Le panneau gauche de chaque diptyque démontre une mise en scène en noir et blanc d’un jeune artiste au travail. Le panneau de droite présente le tableau que cet artiste pourrait être en train de peindre. La relation entre figure, abstraction, et la substance même de la peinture pose une question ouverte concernant la révélance, non seulement l’action de peindre, mais du processus d’une quête solitaire vers l’art dans le contexte d’une société hyper connectée.

L’artiste exploite l’intime comme lieu de création. Elle peint des univers puisés à même la nature environnante, provoque le dépaysement pour accéder à notre rapport à « l’Intime ». L’artiste tend à susciter chez l’observateur l’émotion qui a fait naître le tableau. Elle révèle de manière intimiste comment les lieux sont constitutifs de soi et fragmentaires de notre histoire et de nos souvenirs. Ses dernières recherches artistiques ont été l’occasion d’expérimenter et de développer une approche particulière de l’encaustique et les techniques mixtes.

Raymond Lasnier (1924-1968), exposition rétrospective

L’exposition rétrospective, présentée à la Galerie d’art du Parc, au Centre d’exposition Raymond-Lasnier et au Musée Pierre-Boucher, retrace par thématique la production artistique de Raymond Lasnier. Elle souligne également le 40e anniversaire de son décès.

Dompteurs d'orages/Matériaux insoupçonnés

LA BIENNALE NATIONALE DE SCULPTURE CONTEMPORAINE PRÉSENTERA SON 3IÈME ÉVÉNEMENT DU 15 JUIN AU 31 AOÛT 2008 DANS PLUSIEURS CENTRES D'EXPOSITION DE TROIS-RIVIÈRES.

En tant qu’artiste, j’œuvre dans le domaine de l’estampe. Mon expression repose en grande partie sur la manipulation de la matière et des effets provoqués par mes divers outils. À une époque où tout se fait tellement vite, les techniques d’impressions me permettent de garder un certain contact avec mes origines. Fascinée par l’héritage culturel je questionne par la pratique de l’estampe les relations qu’entretiennent aujourd’hui l’humain avec la nature ainsi que la manière dont il conçoit et matérialise sa cohabitation avec elle.

Ma peinture change. Depuis un an elle a changé, et depuis dix ans. Ce changement se passe au quotidien, imperceptible et pourtant vite tangible avec l’accumulation des réflexions et des décisions opératoires qui jalonnent ma pratique picturale. Chaque jour je sens qu’il reste quelque chose que je n’ai pas pu exprimer tout à fait avec les moyens de la veille, et puisque le désir de l’exprimer reste entier, je dois réactualiser mes moyens de le faire. Aussi mes savoir-faire picturaux changent-ils constamment au gré de la nécessité de dire ce qui reste à dire. Mais dire à propos de quoi? L’être que je suis devenu au fil du temps passé à peindre, cet être particulier consiste à filtrer, réfléchir puis recycler en peinture les aspects importants de la vie. Eh oui! mon action première dans le monde est de peindre, et cette action canalise tout ce qui me touche. C’est peut-être ce questionnement existentiel qui m’a conduite à traiter du corps. Les objets du quotidien, l’Internet, la radio, la poésie et les médias m’ont successivement fourni en thèmes ces dernières années, mais au delà des thèmes particuliers qui caractérisent chaque grande étape de ma recherche, le grand thème du rapport au monde physique, et en particulier au visuel, permane. Dans la peinture de la dernière tranche les personnages sont consistants, vraisemblables au premier regard, puis un disfonctionnement apparaît : leur mimétisme implose. Par exemple dans le tableau « Et pourtant dans le monde il y a la grimace impolie et c’est le problème » la jambe de gauche du personnage est traitée en volume mais la droite semble s’aplatir comme un tissu vide. Dans le tableau « et pourtant dans le monde il y a des pierres de gué qui aident à traverser la vie à petits sauts » le bâton que le personnage tient dans son dos peut être interprété comme lui traversant le corps et devenant sa garde d’épée ou son pénis. Il ne s’agit pas d’une logique à tiers exclu, il s’agit plutôt d’un système ouvert dans lequel l’ambiguïté sert de moteur et génère la suite. Chaque tableau se réfère à des formes présentes dans un tableau antérieur mais resituées ou reconstextualisées dans le problème particulier qui se joue là, dans son propre espace.

BEAUVAIS LYONS est professeur d’estampe depuis 1985 à l’université du Tennessee à Knoxville (E.-U). L’artiste est diplômé (1980) de l’univerité du Wisconsin-Madison et a fait ses études supérieures à l’université d’Arizona (E-U).

Ses expositions individuelles ont été diffusées dans plus que 50 galeries et Musées à travers les Etats Unies et à l’étranger.

Ses estampes font parties de plusieurs collections : Smithsonian Museum of American Art, Washington, DC; le Whitney Museum of American Art, New York, NY et le Philadelphia Museum of Art, Philadelphia. PA.

En 2002 il a reçu un International de l’estampe à Berlin et Poznañ en septembre 2005.

Pour plus d'information sur l’artiste, consulter son site URL (web.utk.edu/~blyons)

Installation

L'exposition Mémorial — suites lumineuses a été créée en 2006. L'originalité de ce projet réside dans la rencontre de deux sensibilités artistiques, celle de Sylvie Gosselin, artiste visuelle et celle de Luc Prairie, concepteur d'éclairage.

Dans le cas de cette exposition, il faut mentionner d'entrée de jeu que la lumière n'a pas pour simple fonction d'éclairer les œuvres elle fait partie intégrante des créations. Elle en est l'un des matériaux. C'est ainsi que les artistes ont collaboré tout au long du processus de réalisation, tissant une grande complicité entre les objets et la lumière, entre l'opaque et le transparent, entre le tangible et l'intangible.

L'échiquier des sourds

L’Échiquier des sourds, une installation de l’artiste trifluvienne Isabelle Gauvin, met en lumière l’importance de la communication et le manque de proximité entre les individus d’une même collectivité. L’œuvre est basée sur le témoignage de gens vivant des difficultés de communication, soit, des personnes sourdes ou en processus d’alphabétisation. Ces mêmes participants sont représentés en tant que pièces d’échec disposées sur cet échiquier nouveau genre à travers lequel le spectateur peut s’y promener. Ce faisant, l’oeuvre propose une réflexion sur nos propres modes de communication puisque le monde apparaît souvent comme un jeu d’échec où chacun est confiné à son carré blanc ou noir, de peur d’entrer en contact avec l’autre

Invité à la Galerie d'art du Parc en collaboration avec l'Atelier Silex où il a occupé une résidence d'artiste à l'automne 2006, l'artiste mexicain Roberto Rodriguez possède une carrière d'envergure internationale. Il a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives au Mexique et dans plusieurs autres pays, dont le Canada. Il a également participé à de nombreux symposiums de sculpture notamment au Mexique, au Japon, au Brésil et en Bulgarie.

Organisée dans le cadre du Festival International de la Poésie de Trois-Rivières, en collaboration avec le Consulat du Mexique, l'exposition Saint-Laurent de l'Énergierassemble les œuvres de l'artiste Mexicain vivant maintenant à Montréal, Remigio Valdés de Hoyos.

Cet artiste polyvalent né à Monterrey au Mexique poursuit une carrière internationale très active. Dès l'âge de treize ans, autodidacte, il entre en contact avec le domaine de l'art avant de faire des études en architecture. Cependant, depuis 1975 il se consacre entièrement aux arts plastiques et entreprend une production très diversifiée.

Elisabeth Picard est fascinée par l’expérience mystique que peuvent provoquer certaines œuvres d’art. Son travail consiste à comprendre comment les aspects matériels et formels peuvent élever l’objet à une dimension spirituelle. Elle s’intéresse à la transcendance que provoque l’art sacré dans le sens où il suscite une recherche de l’absolu et une vision sublimée de l’univers.

Marcher des criques, des anses, des baies

À la recherche d’un objet,

Le prendre, le sortir de son lit

Le marier au paysage ...